“Only Connect” di E.M. Forster è sinonimo di amore compassionevole, nel senso di buona volontà, lo sforzo di comprensione. In una prima serie di sculture, Anne-Claire van den Elshout si focalizza su questo spazio tenendolo vuoto.

Quindi nella scultura “Reflections”, per esempio, e nello stesso “Black Heart” (Cuore Nero) la scultura gira delicatamente in modo circolare verso l’interno, verso uno spazio definito. Questo spazio, un vuoto, diventa il centro dell’occhio: attirandolo come una calamita. La  nostra mente vorrebbe che le due estremità della scultura si incontrassero qui, che si unissero e che formassero un’armonia. La scultura è una metafora di questo desiderio di connessione, di essere il benvenuto da un’anima complementare. E’ impossibile, non è vero?

“Voglio sfidare le persone a pensare alle proprie emozioni interiori”, afferma Anne-Claire, e in effetti c’è qualcosa di inaccettabilmente sterile nel non credere che sia possibile connettersi veramente, per non correre mai il rischio che ciò richiede, gioia intima di tale realizzazione. In pratica, colmare lo spazio poggia sulla fede: esiste perché noi ci crediamo, lo cerchiamo e proviamo a farlo esistere.

E se ci connettiamo, lo spazio diventa pregnante di possibilità vitali. Preso atto di ciò, lo spazio connesso diventa una sfida, ma non la soluzione. Come coltivare questo spazio, come indirizzare le possibilità che si aprono, come condividere l’appetito che genera.

Con “Les petites danseuses” abbiamo due forme identiche antropomorfe, che esprimono una grazia femminile e una casta sensualità. Come coppia possono essere spostate per interagire l’una con l’altra: “Sono interessata allo spazio tra le persone perché cambia costantemente e può avvicinare le persone e/o allontanarle se non vengono gestite con cura” ( Anne-Claire).

Anne-Claire sviluppa ulteriormente questo tema con “The Space in Between”, qui le riflessioni assumono elementi esterni come contesti di inquadramento da cui emerge lo spazio connesso e con cui negozia continuamente. Ora, lo spazio nel mezzo sembra essere come un flusso, non più un obiettivo: tutto diventa più complicato. Il desiderio che deriva dalla consapevolezza è palpabile e lo spazio connesso non è semplicemente un’istanza isolata. Quindi sì! L’amore può colpire come un fulmine. Ma se continua a essere, l’amore non può essere cieco.

Con “Rise of Icarus” e “Fall of Icarus” (La Caduta di Icaro) l’attenzione si concentra sull’idea dell’impeto del decollo. La severa purezza, la dura morbidezza, del marmo bianco in autunno alimenta la spericolata follia del tentativo di Icaro di andare oltre la sua natura: volare. C’è una bella curiosità in questo tentativo garantito, ma il volo è un gioco di leggerezza, di movimento, nell’aria. Icaro paga il prezzo del buon senso e cade. Tuttavia, è ricordato per il suo coraggio, per aver accettato una sfida adatta agli dei. Come metafora, Icaro è particolarmente appropriato per l’Artista, che deve decidere di impegnare la propria vita in cosa, aria sottile? No. Alla ricerca elettrizzante della curiosità. Se questo culmina in un aumento o in una caduta, una decisione così consapevole di assumere il proprio destino e di essere mentore della propria anima merita rispetto e può risvegliare la nostra ammirazione.

Oggi la Diazzi ai volti noti della vita mondana affianca delle importanti star che rischiano pericolosamente di essere dimenticate. La possiamo definire “animal painter”,  i suoi ritratti, infatti, ripropongono animali feroci, regali, selvatici che guardano verso lo spettatore distratto.

Prigionieri delle cornici, puntano, camminano e volano verso di noi che restiamo a guardare mentre li cancelliamo dal loro mondo.

L’arte è esigenza e l’esigenza di Roberta Diazzi è di portare il loro ruggito nelle nostre coscienze.  In 2017 he is invited to mosaic Sculpture. The color of the sculpture, exhibition curated by Laura Gavioli and held at the National Museum of Ravenna.